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M-KOS : Painting through other forms – In convesation with Anthony Burnham

Anthony Burnham in front of his painting “Perspective Correction” (2009)

From March 31st to May 5th 2012, Anthony Burnham presented a collection of works within Montreal’s René Blouin Gallery, combining his latest paintings with some less recent canvases, to punctuate and contextualize the exhibition with pivotal moments in his studio practice. From a tempered palette of colors and formats, Burnham’s painted surfaces extend from a first perception as conceptual pieces, to open up to preoccupations for lens-based imagery, producing multiple series in parallel, as well as to using the exhibition venue itself as a medium of expression. Burnham shared his thoughts with M-KOS on this latest show.

M-KOS : In a previous article about you, someone was talking about your painting as a conceptual practice. is this still the case here ?

Anthony Burnham : I think conceptual art is historically very specific, it’s a key moment, where modernist theories got broken-up or opened-up, it created an antecedent that can not be ignored. My practice revolves around many approaches by traveling through photography and sculpture to arrive at painting. I have been working around documents, and reinvestigating historical work and I think that’s why the paintings where labeled as conceptual. It’s still the case for the work in this show; the paintings are tools or a form of vocabulary. For me it’s a given. I like to think of this show as a sentence.

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CYNTHIA DINAN-MITCHELL @ piroir

« SALOON STORY PART IV »
jusqu'au 30 juin | until June 30
piroir.com

Pour ce projet d'exposition, je veux explorer la notion d’ornementation en combinant l'installation, la céramique et l’estampe. Par cette approche multidisciplinaire, je veux ainsi créer une installation où on perçoit la rencontre forcée entre des esthétiques westerns (cowboys), japonaises et victoriennes. Premièrement, j'aimerais présenter une série de sérigraphie encadrée rehaussée à la gouache illustrant des vignettes de cowboys et de samouraï. Deuxièment, je veux présenter un papier peint fait en flocage d'un motif imitant la toile de Jouy, mais refaite avec des images de cowboys. Dernièrement, je veux présenter des pièces en céramique ornée de sérigraphie qui répète les mêmes motifs du papier peint. Le tout sera lié par deux couleurs dominantes, soit le rouge et le noir.

By accomplishing this exhibition project, I hope to explore the notion of ornamentation by combining installation, ceramic and printmaking. By using this multidisciplinary approach, I intend to create an installation where various aesthetics meet and force the viewer to confront simultaneously Western, Japanese and Victorian notions. Firstly, I will create a series of silkscreens, framed by gouache vignettes of cowboys and samurais. Secondly, I will create wallpaper imitating the toile de jouy pattern, only with cowboys. Lastly, I will present ceramics decorated with the same patterns as the wallpaper. The whole of the installation brought together by two main colors, red and black.

AISLINN LEGGETT @ d'este

« ENTER THE GREAT WIDE OPEN »
31 mai au 17 juin | May 31 to June 17
vernissage 31 mai 17h00 | May 31 ~ 5:00PM
galeriedeste.com

Je réalise que mon passé ancestral ainsi que la représentation visuelle et historique du paysage canadien sont des éléments importants qui déterminent la façon dont je vois et utilise le territoire et ultimement comment je perçois le paysage. - Aislinn Leggett

Combinant la photographie traditionnelle et le collage numérique, Leggett crée des photographies composites. Elle explore le thème de la mémoire : la photographie et le souvenir sont intrinsèquement liés, l’un permettant à l’autre de subsister dans le temps. Dans cette série, l’artiste emprunte et s’inspire de la représentation photographique du début du vingtième siècle incluant des paysages et des personnages pratiquant des activités en plein-air. Sa démarche artistique l’amène à revisiter le passé par le paysage et à explorer les rapports passées et présents entre l’appareil photo et le territoire.

I have come to realize that my ancestral past and the historical visual representation of Canadian landscape are important elements in how I have shaped the way I see and use the land and ultimately perceive landscape. - Aislinn Leggett

Blending traditional film photography and digital collage, Leggett creates composite photographs. She explores the theme of memory and its complex relationship with photography, one giving the other meaning and permanence through time. In this series, the artist borrows and is inspired by photographic representations from the early twentieth century of landscapes and figures participating in outdoor leisure activities. Leggett’s process has brought her to revisit the past through landscape and to explore the relationships between photography and the land.

MARIE-PIER THÉBERGE @ uqam

« ARTISME® STORE »
jusqu'au 16 juin | until June 16
galerie.uqam.ca

photo : Laurence N. Béland

Cette « entreprise » se spécialise dans la création de fictions et d’activités ludiques interactives qui mettent en scène l’héroïne de l’art contemporain, Super MPier. Venez découvrir cet univers qui, par l’entremise de son dispositif immersif parodiant une réalité commerciale, vous fera vivre les plus belles expériences!

L’exposition ArtisMe® Store propose un simulacre de magasin issu de la combinaison des sphères du divertissement, de la culture populaire, de l’art actuel et du marketing. L’entreprise ArtisMe® a été conçue afin de rassembler des œuvres dans lesquelles évolue l’héroïne de l’art contemporain Super MPier, un personnage né de l’autofiction. Cette installation donne accès à l’application MpiiGotchi 2.0 pour téléphone intelligent, au jeu de société Super MPier and The Game of Contemporary Art; Life and Creation, ainsi qu’à une panoplie de figurines à l’effigie du personnage.

CHROMATIC @ sat

MASSIV art présente « CHROMATIC – 360° SUR L’ART »
25 et 26 mai | May 25 and 26
sat.qc.ca

Pour sa troisième édition, Chromatic élève son offre artistique d’un cran et accueille plusieurs nouveautés. On prolonge le plaisir : l’unique journée des dernières éditions se transforme en festival de deux jours. Avec plus de 150 artistes, l’événement n’a jamais compté autant de créateurs de talent. La programmation artistique, chapeautée par Kristian Manchester (Sid Lee), Jean-Sébastien Baillat et Guillaume Cardell (Baillat Cardell & Fils), Andrew Ly et Melissa Matos (TRUSST), Francis Théberge (TiND) et Ximena Becerra, rassemble plusieurs acteurs importants de la scène artistique locale et internationale, notamment, Julien Vallée, Vincent Morisset, Richard Bernardin, Simon Beaudry, Thibaut Duverneix, Rafael Sottolichio et Catherine D’Amours. De son côté, le volet musical, assuré par M pour Montréal et Scène 1425, présente des groupes comme Suuns, Mozart’s Sisters, CLAASS, Cosmetics, Le Matos, Kaytradamus ainsi que plusieurs autres pointures de la scène locale.

ALEX MCLEOD @ trois points

« LÉGENDES OUBLIÉES »
26 mai au 23 juin | May 26 to June 23
vernissage 26 mai 15h00 | May 26 ~ 3:00PM
galerietroispoints.qc.ca

Le travail d’Alex McLeod s’inscrit dans la foulée des nouveaux médias alors que l’artiste utilise des logiciels spécialisés pour construit digitalement des environnements hyperréalistes. Fort de la tradition canadienne du paysage et de l’héritage des peintres romantiques, les univers créés par McLeod sont peuplés de montagnes cristallines, de lacs incandescents, de nuages aux courbes claires qui se détachent de ciels douceâtres. L’artiste met de l’avant une palette très bonbon qui contribue à fausser nos perceptions ; l’ambiguïté omniprésente de ses paysages fait naître des contradictions entre le réel et le virtuel, le passé et le présent.

Alex McLeod’s work is in the wake of new media while the artist uses specialized software to digitally constructed hyper-realistic 3D environments. Recalling the wide-open vistas of Romantic landscape painting and the Strong tradition of Canadian landscap, the environments created by McLeod are filled with crystalline mountains, fiery lakes, and rotund clouds, all rendered in a sickly sweet and gooey candy-colored palette. They act as hybrid spaces that imply an almost infinite recombination of the past and present, the real and virtual.

LISA PARKER HYATT @ beaux arts des amériques

« ŒUVRE OUVERTE | OPEN TEXT »
jusqu'au 16 juin | until June 16
beauxartsdesameriques.com

Je connais Lisa depuis 1975, époque à laquelle nous nous sommes côtoyées à Miami. J’ai eu le plaisir de voir son exposition à la Galerie Allan Stone, alors qu’elle partageait l’espace avec Wayne Thiebaud. En 1986, lorsque Lisa quitta sa ville natale pour s’installer dans la région de Washington, DC, j’ai pu suivre son parcours par l’intermédiaire de sa mère, la peintre Phyllis Parker, une femme charmante et très talentueuse qui fut l’une de mes collègues au South Florida Art Center de Miami Beach. J’ai ainsi pu faire la connaissance des enfants de Lisa, puisqu’ils figurent dans un tableau de Phyllis, intitulé Family Tree. En 2007, lorsque nous ouvrîmes la galerie à Montréal, Lisa accepta de s’associer à nous. Nous avons ainsi pu reprendre nos échanges là où ils avaient été interrompus, une relation cependant murie et enrichie par nos joies et nos peines respectives, de même que par les triomphes et les infortunes qui ponctuent toute vie.

Lisa and I have a shared history that goes back to Miami 1975. I had the pleasure of attending her show at Allan Stone Gallery where the other side of the room was devoted to Wayne Thiebaud. When Lisa moved from her hometown to the Washington, DC area in 1986, I kept track of her through her delightful and talented mother, the painter Phyllis Parker, one of my colleagues at the South Florida Art Center in Miami Beach. I was to meet Lisa’s children through Phyllis’ painting, Family Tree. In 2007, Lisa agreed to join us when we launched the gallery in Montréal. We have, thus, been able to take up where we left off, albeit matured and enriched by the respective joys and sorrows, triumphs, and calamities that are part of every life.

OTHER @ yves laroche

« TEMPEST »
jusqu'au 30 mai | until May 30
yveslaroche.com

La place de l’artiste canadien Other dans le paysage du graffiti international n’est plus à faire. Artiste bohème, ses œuvres peuvent être vus sur les wagons et dans les dépôts de trains, les murs des villes et des galeries d’art à travers le monde. Il est reconnu pour ses œuvres complexes réalisées au pastel à l'huile qui orne les wagons des trains de cargaisons à travers l'Amérique du Nord. Collectionneur d'images et d'expériences, le travail d’Other en galerie correspond à une mise en boîte d’une part de ses voyages et d’autres part du déplacement physique de ses œuvres tel que lorsque réalisées à l'extérieur. Celui-ci devient également le point de départ et l'influence majeure de son travail de graffiti. Le mouvement du corps et le dynamisme inhérent à cette pratique artistique se transpose alors en une multitude de motifs colorés souvent fragmentés, suggérant le tout mais ne montrant qu'une partie créant un mouvement dans sa composition. Ses œuvres très colorées forment un pendant à son art sur les trains souvent uniquement en noir et blanc, puisque réalisées dans une relative obscurité.

Canadian artist Other has long earned his reputation in the graffiti milieu. Bohemian artist, his art can be seen on freight trains, city walls, in train yards, and inside countless art galleries around the world. He is known for his intricate oil stick paintings that grace rolling freight trains across North America. Collecting from a variety of images and experiences, his work inside the gallery constitutes a dynamic approach to counter the limits of a more static environment inherent to established institutions. This art represents the starting point from which his street art evolves. The body involvement and dynamism associated with graffiti translates in a kaleidoscopic vision often fragmented, suggesting the whole picture but focusing only on detail creating the movement within the composition. His highly coloured body of work balances his more monochromatic street art which is often executed in relative obscurity.

PRÉSENCE @ wilder & davis

commissaire Wah Wing Chan
25 mai au 20 juillet | May 25 to July 20
vernissage 25 mai 19h00 | May 25 ~ 7:00PM
galeriewilderdavis.wordpress.com

HANNAH ALPHA - MARIE-ANGE BRASSARD - NICOLE-DORÉ BRUNET -MUSTAFA HACALAKI - JULIANNA JOOS - INGEBORG JÜRGENSEN HISCOX- JUDITH KLUGERMAN - ANN MCCALL - MARY MILNE - YVELINE MONTIGLIO - ROLANDE PELLETIER - ANAÏS RONCERAY - TODD STEWART

La sélection des estampes a été réalisée sur la base de l’interprétation d’un seul mot : présence. L’unité de l’ensemble des œuvres repose donc sur la représentation d’un concept. En installant les œuvres côte à côte, le commissaire a choisi de promouvoir les différentes techniques de gravure comme l’aquatinte, la collagraphie, l’eau-forte, la lithographie, l’impression en relief, la sérigraphie et la gravure sur bois. D’un point de vue muséographique, tout est mis en œuvre pour susciter une réflexion chez le public et lui faire réaliser comment signes et sens s’imbriquent les uns dans les autres. Bref, ce collectif souhaite montrer comment différents médiums convergent vers un même thème, et comment l’artiste, de par la perspective de son travail, influence la représentation du monde de celui ou de celle qui la regarde.

The variety of prints chosen for this exhibition is based upon the interpretation of one simple word “presence”. Although the chosen prints were based on one unifying word, this exhibition invites viewers to explore how the central theme was expressed by each artist and from their varying perspectives. In displaying a large array of fairly distinct prints alongside each other, the curator’s goal is to promote and better inform viewers of the various printmaking techniques such as aquatint, collagraphy, etching, lithography, relief printing, screenprint and woodcut. The curator’s hope that conversations will transpire and incite viewers to consider how semantics and meaning are entwined, how differing mediums convey subject matter, and how an artist’s perspective has the ability to influence a viewer’s interpretation of a word.

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mot de l'éditeur | word from the editor

Permettez-moi ce commentaire personnel : en tant qu'artiste et travailleur culturel et surtout en tant que citoyen, je crois qu'il est impérial de se positionner face au virage (que dis-je, du carambolage) d'extrême droite que prend notre gouvernement avec l'adoption d'une loi spéciale qui pousse l'insulte à son paroxysme. Ce geste de perdant envoie un message clair à la population : il est possible voire souhaitable qu'une caste en bouffe une autre. Pour des raisons purement stratégiques et politiques - avec des conséquences abominables - un PM qui, après avoir créé la crise de toute pièce, ne désire que sauver sa propre face, qui se déresponsabilise totalement et violente toute une population en déniant la démocratie et en crachant sur le peuple, qui polarise les clans, ce PM bafoue nos valeurs communes les plus profondes de solidarité, de dignité et de progrès social - cette loi vient briser le contrat social - littéralement, cette loi est cannibale. Pour ceux que ça intéresse, je vous invite à suivre mon indignation quotidienne ici : Éric le rouge.

Please allow me this personnal comment: as an artist and cultural worker and most importantly, as a citizen, I believe it is imperative to take position regarding the fascist orientation that our government is taking with the adoption of the special law which pushes the insult to the outer limits of reason. This lame gesture is sending a clear message to the population: it is possible, positive even, that a cast eats another. For purely strategic and political motivations - with abominable consequences - a PM who, after creating a crisis all by himself, who wants only to save it's own face, who is taking zero responsibility and violating a whole population by denying democracy and by spitting on the people, who polarize clans, this PM denigrates the most profound common values of solidarity, of dignity and social progress - this law breaks the social contract - literally, this law is cannibalistic. For those who are interested, I invite you to follow my daily indignation here: Éric le rouge.

CLAIRE MOEDER sur Fabuleux Cercles Vicieux

Patrick Bérubé : artiste-commissaire (volet 2)

Michel de Broin, Trou de vers, 2010, Plâtre et fibre de verre
photos : Olivier Bousquet, Galerie SAS

Après Laurent Craste, c’est au tour de l’artiste Patrick Bérubé d’avoir carte blanche pour concevoir une exposition à la Galerie SAS. Avec Fabuleux Cercles Vicieux, l’artiste-commissaire propose une exposition en miroir de son œuvre, où plane le même esprit ludique et absurde qui caractérise son travail.

Patrick Bérubé, L'alliance, 2011, Plexiglas, bois, LEDs, impression photo numérique

Patrick Bérubé a fait une sélection d’artistes homogène et cohérente comprenant Gwenaël Bélanger, Michel de Broin, Mathieu Latulippe, Frédéric Lavoie et lui-même. Il s’est entouré de ces artistes proches de son univers, avec qui il partage affinités et influences artistiques depuis plusieurs années. Exception faite de Michel de Broin, la connivence artistique est palpable entre ces artistes québécois qui font partie de la même génération.

DIL HILDEBRAND @ pfo

« BACK TO THE DRAWING BOARD (REPRISE) »
jusqu'au 30 juin | until June 30
pfoac.com

Spire, 2012, huile sur toile

Les oeuvres de sa récente série ont été remarquées lors de leur dévoilement au centre d'artistes YYZ à l'automne dernier et nous sommes très heureux d'accueillir les nouveaux tableaux et dessins qui poursuivent les recherches formelles entamées par l'artiste dans cette veine.

Propos d'artiste
L'année dernière, j'ai profité de l'occasion d'une exposition à Toronto pour réaliser une série de peintures que j'avais en tête depuis un certain temps. L'exposition s'intitulait Back to the Drawing Board, et répondait au désir d'explorer une manière de peindre différente de la profondeur « pittoresque » du style atmosphérique que j'avais jusqu'alors adopté. Bien que ces nouvelles peintures ne rejetaient pas complètement la profondeur, leurs surfaces étaient relativement planes et minimales. Composées de grilles, de points et de formes géométrique simples, elles ont été conçues en tant qu'approche provisoire d'une description de l'espace visuel, et pour résister à la tentation de se fondre dans la transparence de formes reconnaissables. Tout en ayant l'apparence d'être parfaitement abstraites, elles correspondaient dans mon esprit à des esquisses indéterminées d'images demeurant cachées ou non réalisées – des diagrammes plutôt que des modèles. Nombre des œuvres de cette exposition de 2011 – surtout les toiles plus petites – figurent dans celle-ci.

Following his critically acclaimed exhibition at YYZ Artist Outlet in 2011, Back to the Drawing Board (Reprise) features new drawings and canvases that further explore this direction.

Artist's Statement
Last year I took the opportunity of an exhibition in Toronto to make a series of paintings that I'd had on my mind for some time. The exhibition was called Back to the Drawing Board, and was inspired by a wish to explore a different sort of painting from the deep and atmospheric picturesque style that I had been doing up to that point. While these new paintings did not reject depth entirely, they were relatively flat and minimal. Arranged with grids, dots, and simple geometric shapes, they were devised to attempt a provisional approach to describing visual space, and to resist the temptation to coalesce into transparently recognizable forms. While appearing to be wholly abstract, they were for me indeterminate sketches of images that remained hidden or unfulfilled - diagrams rather than models. Several of the works from that 2011 exhibition - mainly the smallest canvases - appear in this one.

DANIEL BARKLEY @ dominique bouffard

« ŒUVRES RÉCENTES »
23 mai au 17 juin | May 22 to 26
vernissage 23 mai 18h00 | May 23 ~ 6:00PM
galeriedominiquebouffard.com

Gold #6, 2012, acrylique sur panneau

Le corpus, constitué d'oeuvres sur toile et d'aquarelles, s'inscrit dans un prolongement du travail de l'artiste principalement axé sur la figure humaine. Cependant, afin de transcender le premier niveau de lecture de ses créations, Daniel Barkley utilise des références puisées dans le mythe, la légende ou dans l'histoire de l'art. Certaines pièces, notamment "Mars" ou encore la série "Gold", donnent le ton à cette exposition en révélant des personnages ornés de rouge et de feuilles métalliques. Ces oeuvres proposent au spectateur des univers dans lequel cohabitent le personnage réel et fictif. Ainsi, la tension entre le portrait intime et la représentation théâtrale prêtée au sujet témoigne de la condition humaine et définit l'oeuvre singulière de l'artiste.

The human figure features prominently in Barkley’s works and, although they may be viewed as portraits, Barkley’s paintings also allude to myths, legends and to the history of art. "Mars" and paintings in the "Gold Series" set the tone for the current show. Adorned with rouge and metallic gilding, his figures offer the viewer a glimpse into a universe in which real people and fictional characters co-exist. The tension between the intimate portrait and the theatrical presentation of stories that present “truths” about the human condition is a principal characteristic of his work.

C2.MTL @ new city gas

évènement organisé par Art Souterrain
22 au 26 mai | May 22 to 26
ouvert au public : 26 mai 10h00 | May 26 ~ 10:00AM
c2mtl.com

L’évènement C2.MTL propose une série de conférences visant à valoriser et à stimuler la créativité et l’innovation au sein des entreprises québécoises. Ainsi, le projet C2.MTL aspire à établir Montréal comme référence incontournable de l’innovation au cœur de ses divers domaines d’activités. Le congrès aura lieu au New City Gas de Montréal du 22 au 25 mai 2012.

PHILIPPE HAMELIN & JULIE TREMBLE @ dazibao

« LA FONTAINE ET LA CHUTE »
jusqu'au 9 juin | until June 9
Salle Fernand-Seguin de la Cinémathèque québécoise
dazibao-photo.org

Fascinés par l’émotion et le pixel (entre lesquels s’établit un lien quasi sémantique, le pixel étant la plus petite surface homogène constitutive d’une image enregistrée par un système informatique et pouvant être transmise), Philippe Hamelin et Julie Tremble dépeignent à travers leurs œuvres des états émotifs exacerbés dans une surabondance d’effets visuels, où le naturel, se jouant des paradoxes, jaillit de constructions artificielles.

Fascinated by emotions and pixels (between which there is an almost semantic link, the pixel being the smallest homogeneous surface forming part of an image recorded by a computer system capable of being transmitted), the work of Philippe Hamelin and Julie Tremble depicts aggravated emotional states in an overabundance of visual effects in which the natural, paradoxically, arises out of artificial constructions.

FRÉDÉRICK OUELLET @ zéphyr

« DESCENDANCES »
21 mai au 2 juillet | May 21 to July 2
vernissage 24 mai 17h00 | May 24 ~ 5:00PM
galeriezephyr2112.com

Dans le processus de création, le travail de l’artiste semble trouver sa voie dans les méandres de son for intérieur, trouver une proposition qui permettra d’illustrer autant la voie prise que la voix à entendre. Pour Fred Ouellet, la démarche est plutôt une fuite comme mise de départ. ‘’ La fuite est le départ de ma création. J’ai eu l’impression qu’au lieu de m’en détacher, je rentrais carrément dans la matière, une sorte d’introspection créant un arbre généalogique. Je tentais de trouver ma propre psychologie mais je me suis fait jouer un tour.’’

SIGHT & SOUND @ eastern bloc

« SYSTÈMES SYMÉTRIQUES »
23 au 27 mai | May 23 to 27
vernissage 23 mai 20h00 | May 23 ~ 8:00PM
easternbloc.ca

Sight & Sound est un festival annuel visant à rassembler les artistes des nouveaux médias canadiens et internationaux. Le festival, qui en est présentement à sa quatrième édition, dévoile l’effort des artistes audio et vidéo ainsi que celui des artistes pratiquant les divers modes de production numérique en se concentrant sur la performance audio/visuelle, l’installation audio/visuelle et les pratiques interactives.

Sight & Sound is an annual festival aimed at bringing together Canadian and international New Media artists. The festival, currently in its fourth year, showcases the effort of sound and video artists, as well as other modes of digital production with a focus on live audio/visual performance, audio/visual installation and interactive systems-based practices.

TERRAINS VAGUES @ georges-vanier

commissaire : Anne Bergeron
24 mai au 19 juin | May 24 to June 19
vernissage 24 mai 17h00 | May 24 ~ 5:00PM
ccgv.ca

JASMIN D’AIGLE

ALEXI HOBBS

STEVE VEILLEUX

L’exposition dresse un portrait singulier du Québec rural, tout en explorant diverses notions d’identité, de présence, de dénaturation et de temporalité. Dans un style libre et impressionniste ou dans une approche qui flirte avec le documentaire, chaque démarche est singulière et révèle des images nichées au creux d’une conscience.

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CAFÉ PHILOSOPHIQUE @ joyce yahouda

12 mai 14h00 | May 12 ~ 2:00PM
en collaboration avec / in collaboration with Napac
joyceyahoudagallery.com

Daniel Olson, L'Arrangement, 2000, image tirée de la vidéo / video still

Discussion avec / Panel with : Stephen Schofield, Marie-Ève Charron, André-Louis Paré
Modérateur / Moderator : Pierre Bertrand

Le beau a-t-il encore sa place dans l'art contemporain ?

Is there still a place for beauty in contemporary art?

Si la réflexion sur le Beau était bien présente chez les fondateurs de la philosophie, force est de constater qu’aujourd’hui, le Beau est parfois complètement absent de notre expérience des oeuvres contemporaines.

Cette impression est-elle juste ?

While the debate on beauty was well represented among the founders of philosophy, it is clear that, today, beauty is sometimes completely absent from our experience of contemporary works.

Is this impression correct?

IANIK MARCIL ~ la mesure du bonheur

NB: Cette chronique est la dixième d'une série de réflexions que je consacre à l'histoire de l'économie politique des arts et de la culture:

Penser l'économie des arts (présentation du projet)

1. Le Beau politisé (Platon et Aristote)
   
2. Le paradis sur Terre (la Renaissance et Bernard de Mandeville)
   
3. Les passions partagées (David Hume et le 18e siècle)
   
4. L'artiste contre l'industrie (Adam Smith et l'utilité économique de l'art)
   
5. L'empathie du spectateur impartial (Adam Smith et le partage de l'expérience esthétique)
6. Lumières des arts (Turgot et le rôle de l'État)
7. Trahit sua quemque voluptas (synthèse sur le 18e siècle)
8. Inutilité des beaux arts (Jeremy Bentham)
9. Liberté des beaux-arts (John Stuart Mill)
   

La théorie économique du 19e siècle est celle de sa propre affirmation, comme nous l'avons vu, chez Bentham et John Stuart Mill. L'achèvement, en quelque sorte, de son autonomie se réalise autour des années 1870 avec ce que les historiens de la pensée économique appellent la "révolution marginaliste," portée en grande partie par l'œuvre de William Stanley Jevons (1835-1882), mathématicien et logicien britannique.

Herman Heyenbrock, Het gieten van ijzer in blokken, circa 1890

Jevons a largement contribué à la mathématisation, maintenant généralisée, de la discipline.¹ Ces développements participaient du courant positiviste animant les sciences sociales de l'époque, qui cherchaient à dégager des "lois" du comportement humain au même titre que celles élaborées par les sciences de la nature. Cela n'est pas anodin: désirant poursuivre et dépasser le désir de Bentham et de Mill de faire de la science économique une discipline ahistorique et universelle.

Le pas de géant que Jevons fait dans cette direction est l'application du calcul différentiel et intégral à l'analyse économique - à l'instar de nombreuses sciences de la nature. Cet outil mathématique s'appuie également sur une généralisation du concept d'utilité largement développé par Mill. Alors que John Stuart Mill mettait de l'avant une théorie de la valeur des marchandises hybride, Jevons en radicalise le concept. Le premier croyait que la valeur (et donc, à terme, le prix) des biens s'expliquait à la fois par le travail nécessaire à les produire et par l'utilité qu'ils apportent à celui qui les consomme.

FIRE 5 @ ecto

17 mai 18h00 | May 17 ~ 6:00PM
ecto.coop


HEIDI TAILLEFER – SANDRA CHEVRIER – MELANY FAY – BRIGITTE THERIAULT – JABER LUTFI – CHLOÉ SURPRENANT - NADINE SAMUEL – TODD STEWART – ISABELLE GUIMOND – ÉMILIE BOUCHARD – MANUEL MATHIEU – STEFFANIE LARICHELIÈRE – MAXIME BOISVERT – MARIANNE CHEVALIER - MARIE SYLVESTRE

Pour l’art, pour l’artiste.
Pas d’intermédiaire.
Des œuvres entre 25 $ et 200 $

MINNA PÖLLÄNEN + BEN CLARKSON @ les territoires

11 au 26 mai | May 11 to 26
lesterritoires.org

MINNA PÖLLÄNEN « ATTEMPTS »

Ice (fresh water), tirage chromogénique Type C, 28 x 35 pouces, 2010

Réalisé sur une petite parcelle de terre inexploitée appartenant à la famille de l'artiste, Attempts étudie la notion de propriété foncière. Rassembler, circonscrire et marquer les différentes parties du paysage sont autant de manières d'explorer les éléments géographiques et topographiques du terrain en question. Les constructions apparemment vaines que montrent les photographies, associées avec les informations statistiques et les représentations graphiques afférentes, ont pour but de rendre visible et de mettre en question la marchandisation, souvent illogique, de la nature et la propriété de ce qui n'existe qu'en état de flux constant.

Made on a small, undeveloped piece of family land, Attempts maps out a survey into the notion of landownership. Through collecting, containing and marking different pieces of the landscape, the project explores the various geographical and topographical elements found within the lot. The apparently futile constructions depicted in the photographs, combined with statistical information and drawings of the land, aim to visualize and question the often illogical commodification of nature and the ownership of something that exists in a constant state of flux.

BEN CLARKSON « THE NEW WORLD »

Lie Cheat Steal, mine graphite sur papier, 17 x 14 pouces, 2011

The New World de Ben Clarkson est une collection de 100 dessins, collages et peintures complétées en automne 2011 et hiver 2012. Dans ses images, Clarkson exprime son obsession envers la montée du neoconservatisme et l'invisibilité de l'idéologie aujourd'hui en Amérique du Nord. Le travail de l'artiste est également profondément personnel, révélant ses propres expériences en tant qu'enfant de coeur et scout, cible parfaite pour des abus sexuels par des personnes à la tête de ces organismes.

The New World is a collection of over 100 drawings, collages and paintings completed during the fall of 2011 and the winter of 2012. The images draw upon Clarkson's obsession with the rise of neo-conservatism and the invisibility of ideology in modern North America. The work is also deeply personal, revealing his own experiences as a catholic altar boy, Boy Scout, and as a groomed target of sexual molestation by authority figures within those organizations.

COMPLOT 9 @ cercle carré

« GRAVITÉ / GRAVITER »
18 au 21 mai | May 18 to 21
vernissage & lancement 18 mai 19h00 | May 18 ~ 7:00PM
cerclecarre.coop

Joyce Harmony et Charles-Antoine Blais Métivier

Dans le turbulent contexte de la grève étudiante.

Arpentant les lieux vacants, les parcs fréquentés, les routes de quartiers et les autoroutes au volant d’un camion de déménagement, les artistes de Complot ont réalisé une série d’actions et d’interventions publiques dans la ville de Montréal et ses environs entre le 1er et 13 avril. Au total, dix projets se sont déployés dans l’espace public, questionnant la notion de gravité par des postures artistiques aussi diverses que singulières. À la suite de cette friction de l’art à la réalité urbaine se sont révélées des tendances vers l’élaboration de mises en scène, d’infiltrations clandestines, de microfictions anecdotiques, de rituels factices et d’utopies frivoles. D’autres investissent les lieux tels des aires de jeu ou des territoires empreints d’une réalité historique, sociale et politique. Dans cette exposition, les artistes proposent un deuxième regard sur leurs productions. Sculptures, photographies et vidéos d’art se présentent comme des œuvres autonomes qui prolongent et commémorent les interventions ponctuelles ayant gravité dans l’espace public.

MATIÈRE SOUS INFLUENCE @ lilian rodriguez

commissaire Réal Lussier
12 mai au 30 juin | May 12 to June 30
vernissage 12 mai 14h00 | May 12 ~ 2:00PM
galerielilianrodriguez.com

François Simard, Sans titre, 2011-12, acrylique sur marqueterie d'érable, noyer et cerisier, 122 x 122 cm

CHLOÉ DESJARDINS - PÉIO ÉLICEIRY - CAROLINE GAGNON - PASCAL GINGRAS - CLÉMENCE GRIECO - SYLVIE LAROUCHE - MATHIEU LATULIPPE - FRANÇOIS SIMARD

Si la dernière décennie a vu l’affirmation de nouvelles pratiques conceptuelles, force est de constater qu’en contrepartie, de récentes stratégies artistiques retiennent l’attention pour le regain d’intérêt porté à la question de la matérialité. On observe ainsi aujourd’hui chez plusieurs jeunes artistes ce qu’on peut qualifier de « réappropriation » de la matière dans toute l’épaisseur et la profondeur de ses implications (textures, couleurs, propriétés, diversité, potentiel symbolique); artistes dont le travail se distingue par un savoir-faire, parfois au moyen de procédés relativement traditionnels, voire artisanaux.

While the last decade witnessed the emergence of new conceptual art practices, recent artistic approaches demonstrate the rebirth of an interest towards the questions of materiality. Indeed, many emerging artists choose to make the material their own again, through its textures, colors, characteristics, diversity, and potential symbolic. These artists’ work showcases a grand quality, sometimes distinguished by the use of more traditional processes, or craft.

CELIA PERRIN SIDAROUS @ wwtwo

« PAHA-KOLI IS EVIL MOUNTAIN »
jusqu'au 24 mai | until May 24
cargocollective.com/wwtwo

Situé en Karélie du Nord, Koli fait partie d'un territoire qui a été disputé avec l'Union Soviétique durant la seconde guerre mondiale, et à qui la Finlande a dû céder une large partie; Järnefelt et Sibelius y venait puiser inspiration à ses paysages; Koli a longtemps été considéré comme un lieu de rencontres occultes dans la mythologie finlandaise - un endroit magique et sacré, un lieu de rituels et de sacrifices; aucune habitation n'y a été construite avant 1750. La région est encore considérée par les adeptes d'ésotérisme comme un lieu extrêmement chargé d'énergies. Le village de Koli aujourd'hui est situé à l'intérieur d'un parc national et moins de 300 personnes y habitent de façon permanente. Le paysage de Koli est dominé par un groupe de collines avec trois sommets principaux - Ukko-Koli, Akka-Koli et Paha-Koli (Montagne-Homme, Montagne-Femme et Montagne Damnée).

Located in North Karelia, Koli is part of a territory that was disputed with Russia during WWII, to whom they have lost a large area; Järnefelt and Sibelius came here for inspiration; it was long considered a meeting place in Finnish mythology - a place of magic, rituals and sacrifices; settlers did not build houses there until 1750. It is still considered by believers of esoterics to be a place incredibly charged with energy. Koli village today is located within a national park and less than 300 people live there permanently. The scenery of Koli is dominated by a cluster of hills with three main peaks - Ukko-Koli, Akka-Koli and Paha-Koli (Man, Woman, and Evil mountain).

DAVID ROMERO @ fofa

« ALTARPIECE VARIATION NO. 2. (LOVE LIVE) »
jusqu'au 25 mai | until May 25
finissage 22 mai 18h00 | May 22 ~ 6:00PM
fofagallery.concordia.ca

pour D.T.K. et à la douce mémoire de Markie-Bear (1954-2011) Montréal, QC, 2011-2012
photo : Guy L'Heureux

Comment le passé peut-il se rappeler à un observateur qui n’en a jamais été témoin et qui l’imagine en fait d’un point de vue photographique? De la multitude d’oeuvres qu’il aurait produites, le peintre Jean Berger n’en a pourtant laissé aucune. Formée de onze photos, Altarpiece No 2 (« Retable no 2 ») de David Romero fait référence à des événements qui n’ont jamais existé comme tels. L’artiste transpose ainsi un récit non vécu dans une création photographique aux allures d’image pieuse : des saints associés à des lieux historiques précis de Montréal se retrouvent dans un cadre contemporain; des objets banals brièvement évoqués ravivent des symboles religieux.

How can the past be remembered by an observer who was never there, but who rather imagines it photographically? The painter Jean Berger left no works out of the multitude he might have produced. David Romero’s Altarpiece No.2 Comprising eleven photographs – references events that never existed as such. The artist mediates this un-experienced history in a photographic devotional altarpiece. Saints relevant to specific historical Montreal areas inhabit contemporary settings.

JUDGING BOOKS BY THEIR COVERS @ sbc

commissaire Peter White
jusqu'au 9 juin | until June 9
sbcgallery.ca

Vue d’installation, Lorraine Oades, Painted Theories of Modern Art series (détail), 1996-1998, Vingt-huit tableaux, huile sur toile

MARC JOSEPH BERG - HANS-PETER FELDMANN - GAYLE JOHNSON - R. B. KITAJ - LORRAINE OADES

Judging Books by Their Covers réfléchit à la nature et à l'importance du livre comme objet du quotidien. L'exposition présente un ensemble d'œuvres variées allant de photographies de grand format à des représentations picturales de couvertures de romans à l'eau de rose, où le livre et sa jaquette sont recontextualisés.

Articulating the nature and significance of books as objects in our lives, Judging Books by Their Covers presents a group of artworks that range from large-scale photographs to paintings of pulp fiction covers in which artists have represented and recontextualized the book and its cover.